Классическое голливудское кино ( англ. Classical Hollywood cinema ) — термин, используемый в кинокритике для описания как повествовательного, так и визуального стиля кинопроизводства, который стал характерным для кинематографа США между 1910-ми (сразу после Первой мировой войны ) и 1960-ми годами . В итоге он стал самым влиятельным и распространённым стилем кинопроизводства во всём мире . Схожие или связанные термины включают Классический Голливудский нарратив , «Золотой век» Голливуда , Старый Голливуд и Классическую преемственность .

Развитие классического голливудского стиля

На протяжении веков единственным визуальным стандартом повествовательного искусства был театр . С момента появления первых повествовательных фильмов в середине-конце 1890-х годов кинематографисты стремились запечатлеть энергетику живого театра на киноэкране. Большинство этих кинематографистов начинали как сценические режиссёры конца XIX века, точно так же большинство киноактёров начинали в водевиле (например, Братья Маркс ) или театральных мелодрамах. В визуальном плане ранние повествовательные фильмы мало что переняли от театра, а их нарративная составляющая очень мало заимствовала из водевилей и мелодрам. До появления визуального стиля, который впоследствии стал известен как «классическая преемственность», сцены снимались в полный рост с тщательно отрепетированной хореографией, для точной передачи сюжета и взаимоотношений персонажей. В то время возможности монтажа были крайне ограничены и в основном состояли из добавления крупных планов объектов, для подчёркивания титров.

Становление немого кино (1913 — конец 1920-х)

Несмотря на отсутствие видимого реализма, присущего театру, фильм (в отличие от театра) предлагает свободу манипулирования временем и пространством и, таким образом, создаёт иллюзию реализма — временной линейности и пространственной непрерывности. К началу 1910-х годов, когда представители « потерянного поколения » достигли совершеннолетия, кинопроизводство начало реализовывать свой творческий потенциал. В Швеции и Дании этот период позже будет известен как «Золотой век» кино; в Америке пионерами этих творческих перемен считаются такие кинематографисты, как Д. У. Гриффит , который, наконец-то отмежевавшись от Edison Trust , начал снимать собственные фильмы, независимые от производственной монополии. Фильмы по всему миру начали перенимать визуальные и повествовательные элементы, которые можно найти в классическом голливудском кино. 1913 год был особенно плодотворным для этого направления, так как режиссёры-первопроходцы из нескольких стран создали такие шедевры, как (англ.) ( (Д. У. Гриффит), (англ.) ( ( Виктор Шёстрём ) и «Парижский младенец» ( (англ.) ( ), которые установили новые стандарты для кинофильма как формы повествования. Так же в этом году начал свою короткую, но плодотворную карьеру Евгений Бауэр (первый настоящий кинохудожник, по мнению Жоржа Садуля ) .

В мире, и в Америке в частности, влияние Гриффита на кинопроизводство не имело себе равных. Не менее влиятельными были его актёры, адаптировавшие театральное искусство к новой среде. В этой связи особенно выделяется Лилиан Гиш , звезда «Материнского сердца». Эпопея Гриффита 1915 года « Рождение нации » была новаторской для киноискусства как средства повествования — став шедевром литературного нарратива с многочисленными новаторскими визуальными приёмами. Фильм так сильно повлиял на прогресс американского кинематографа, что через несколько лет устарел сам . Хотя 1913 год стал мировой вехой для кинопроизводства, 1917 год был прорывным именно для США — началась эпоха «классического голливудского кино» отличавшаяся повествовательным и визуальным стилем, который к 1917 году стал доминировать в американском кинематографе .

Классическое голливудское кино в эпоху звука (конец 1920-х — 1960-е)

Повествование и визуальный стиль, присущие классическому голливудскому кино, получили дальнейшее развитие после перехода к звуковому кинематографу. Основные изменения в американском кинопроизводстве произошли из-за роста студийной системы . Эта форма производства с её господствующей системой «звёзд», продвигаемой несколькими ключевыми студиями , предваряла звуковое кино. К середине 1920-х годов большинству выдающихся американских режиссёров и актёров, работавших независимо с начала 1910-х годов, пришлось стать частью этой студийной системы, чтобы продолжить работу.

У экспертов нет однозначного мнения по поводу начала эры звукового кино. Некоторые считают таковым фильм « Певец джаза », который был выпущен в 1927 году, когда достигло совершеннолетия (англ.) ( , чей интерес увеличил кассовые сборы фильмов, поскольку в них появился звук . По мнению других эта эра началась в 1929 году, когда звуковое кино окончательно сменило немое . Большинство голливудских картин с конца 1920-х по 1960-е годы были тесно связаны с жанрами вестерн , фарсовая комедия , мюзикл , мультфильм и байопик (биографический фильм). Над фильмами зачастую работали одни и те же творческие коллективы и их выпускали одни и те же студии. Например, Седрик Гиббонс и Герберт Стотхарт работали только на MGM ; Альфред Ньюман проработал в 20th Century Studios двадцать лет; почти все фильмы Сесила Б. Демилля были сняты на Paramount Pictures , а фильмы режиссёра Генри Кинга в основном снимались для Twentieth Century Fox. Точно так же большинство актёров того времени были контрактниками тех или иных студий. Историки кино отмечают, что фильмам потребовалось около десяти лет, чтобы адаптироваться к звуку и вернуться к уровню художественного качества немого кино — это произошло к концу 1930-х, когда достигло совершеннолетия великое поколение .

Многие великие киношедевры, появившиеся в этот период, были продуктом строго регламентированного кинопроизводства. Одна из причин, благодаря которой это стало возможным, заключалась в большом количестве снятых фильмов — подход к ним был разным. Студия могла сделать ставку на фильм со средним бюджетом, с хорошим сценарием и относительно неизвестными актёрами. Так было с « Гражданином Кейном » (1941) Орсона Уэллса , который некоторые считают величайшим фильмом всех времён. Помимо Уэллса, такие режиссёры, как Говард Хоукс , Альфред Хичкок и Фрэнк Капра также проявляли волю, чтобы реализовать свои художественные замыслы. Апогеем студийной системы, возможно, стал 1939 год, когда были выпущены такие классические произведения, как « Волшебник страны Оз », « Унесённые ветром », « Горбун из Нотр-Дама », « Дилижанс », «Мистер Смит едет в Вашингтон» , « Дестри снова в седле », « Молодой мистер Линкольн », « Грозовой перевал », « Только у ангелов есть крылья », « Ниночка », (англ.) ( , (англ.) ( , « Гунга Дин », « Женщины », « До свиданья, мистер Чипс » и « Ревущие двадцатые » .

Отличительные признаки

На визуально-повествовательный стиль классического голливудского кино, разработанный Дэвидом Бордуэллом , сильнейшим образом повлияли идеи Реннесанса . Этот стиль различается на трёх общих уровнях: устройства, системы и отношения систем.

Кинематографические приёмы

Среди приёмов, наиболее присущих классическому голливудскому кино — (англ.) ( , (англ.) ( . Он включает правило 180 градусов , один из основных визуально-пространственных элементов кино. Этот приём соответствует стилю «фотографированной игры», создавая воображаемую 180-градусную ось между зрителем и кадром, что позволяет зрителям чётко ориентироваться в положении и направлении действия в сцене. Согласно (англ.) ( , монтажные склейки под углом, с которого просматривается сцена, должны быть достаточно значительными, чтобы зритель мог понять цель изменения перспективы. Склейки, которые не соответствуют правилу 30 градусов, известные как джамп-каты , разрушают иллюзию временной непрерывности между кадрами. Правила 180 градусов и 30 градусов — элементарные директивы в кинематографе, которые более чем на десять лет предшествовали официальному началу классической эры, как видно из новаторского французского фильма « Путешествие на Луну » 1902 года. Методы нарезки в классическом монтаже помогают установить или поддерживать непрерывность повествования, как и в параллельном действии , который устанавливает одновременность действий в разных местах. Джамп-каты разрешены в виде (англ.) ( , который вообще не меняет угол съёмки, но имеет чёткую цель показать перспективу ближе или дальше от объекта и, следовательно, не мешает временной непрерывности .

Системы кинематографа

Логика повествования

Классический голливудский нарратив всегда развивается за счёт психологической мотивации, то есть волей персонажа и его борьбой с препятствиями на пути к определённой цели. Этот элемент повествования обычно состоит из основного повествования (например, романа), переплетённого со вторичным повествованием или повествованиями. Повествование структурировано с безошибочно узнаваемым началом, серединой и концом, и, как правило, имеет чёткую развязку. Использование действующих лиц, событий, причинно-следственных связей, основных и второстепенных моментов является основными характеристиками этого типа повествования. Герои классического голливудского кино имеют ярко выраженные черты, активны и очень целеустремлённы. Они являются индивидуумами, мотивированными психологическими, а не социальными проблемами . Повествование представляет собой цепочку причинно-следственную связей происходящих с индивидуумами — в классическом повествовании события не происходят случайно.

Кинематографическое время

Время в классическом голливудском кино непрерывно, линейно и однородно, поскольку (англ.) ( влечёт за собой иллюзорность среды. Единственная допустимая манипуляция временем в этом формате — это флешбэк . В основном он используется для чёткой последовательности появления персонажей в сюжете, например, как в фильме « Касабланка » .

Пространство

Главное правило классической непрерывности в отношении пространства — постоянство объекта: зритель должен верить, что сцена существует за пределами кинематографического кадра, чтобы сохранялась реалистичность изображения. Пространством в классическом Голливуде стремится преодолеть или скрыть двухмерность фильма («невидимый стиль») и сильно сосредоточено на человеческом теле. Большинство кадров в классическом кино сосредоточены на жестах или мимике ( средние планы ). Андре Базен однажды сравнил классический фильм с заснятой пьесой в том смысле, что события, кажется, существуют объективно, а камеры дают нам только лучший обзор всего происходящего .

Эта трактовка пространства состоит из четырёх основных аспектов: центрирование, уравновешивание, фронтальность и глубина. Значимые лица или объекты в основном находятся в центральной части кадра и никогда не находятся вне фокуса. Балансировка относится к визуальной композиции, то есть символы равномерно распределены по всему кадру. Действие обращено к зрителю (фронтальность), а (англ.) ( , освещение (в основном (англ.) ( , особенно освещение в светлых тонах ) и костюмы призваны отделить передний план от заднего (глубина).

Взаимоотношения систем

Аспекты пространства и времени подчинены элементу повествования.

Критика

«Золотой век» Голливуда подвержен критике, начиная от расовых стереотипов (особенно проблема афроамериканцев ) и заканчивая отсутствием реализма, что привело к появлению более реалистичного стиля кинематографа после Второй мировой войны .

Влияние

Новый Голливуд 1960-70-х годов находился под влиянием романтизма классической эпохи , как и Французская новая волна .

Примечания

Источники

• . / , , . — New York : Columbia University Press, 1985. — ISBN 0-231-06055-6 .
• Davis, Blair. The Battle for the Bs: 1950s Hollywood and the Rebirth of Low-Budget Cinema. — New Jersey : Rutgers University Press, 2012. — ISBN 978-0813552538 .
• Fawell, John. (2008) The Hidden Art of Hollywood . Westport Conn.: Praeger Press.
• . Backstory 1: Interviews with Screenwriters of Hollywood's Golden Age (No. 1). — University of California Press, 1985. — ISBN 978-0520056893 .
• . Film Style and Technology: History and Analysis.
• Cinema at the Margins. — Anthem Press, 2013. — ISBN 978-0-85728-186-9 .

Ссылки

• David Bordwell and Kristin Thompson, , December 28, 2007. Analysis of classical continuity in narrative film from 1917 to this day.